第1篇：如何在舞蹈创作中运用舞蹈技术提高舞蹈艺术性
舞蹈是一门特殊的艺术，人们通过舞蹈将自己的形体艺术展现得淋漓尽致。舞蹈的最高境界不是技术的高超，也不是视野的开阔，而是心灵与心灵的交织和碰撞。将自己的情绪融入到舞蹈表演艺术中，这样不仅可以提升舞蹈的情趣，还可以促进现代化的舞蹈发展。思想是舞蹈最高境界的表达，为了能够更好地凸显出舞蹈艺术的自身价值，有关创作者在实际的创作中就应该将艺术性作为自身的追求和目标，定位舞蹈表现的形式。只有通过创新式的表演形式，将自己的艺术性融入到实际的表演中，才会更好地凸显出艺术的本质价值。最大限度地加大表演的创作性，并且将艺术作为自身的追求目标，这些都是舞蹈表演的最本质特点，也是舞蹈艺术创作的最根本内容。舞蹈技术对于表演者的身体素质有着较高的要求，通常情况下，舞蹈中的跳、转、翻和在原地基础上的单个种类变形、种类交叉变形的跳、转、翻，这些都是舞蹈表演中需要注意的内容。不仅如此，在舞蹈表演中，表演者还需要对自身的柔软程度有着较高的要求，一般情况下柔软的身体所表现出来的舞蹈在视觉上更具有冲击力。要想让舞蹈能够彰显出自身的艺术价值，就应该不断地将创新式的理念融入到实际的舞蹈表演中，让舞蹈能够有着自己的高潮，这样的舞蹈必将会为人带来更好的视觉效果。[1]
一、舞蹈技术动作的选择要合乎舞蹈内容
（一）舞蹈要有自己的思想
无论是何种舞蹈，都应该有自己的主题思想，因为对于舞蹈艺术来说，创新式的舞蹈将会带给人们更多的积极影响。舞蹈艺术离不开创新式的表现手法和技艺。舞蹈对于技术的要求比较高，但是更高的则是舞蹈艺术的思想层面，舞蹈艺术是由心而引发出的一种新式理念。在传统的舞蹈发展中，很多人对技术方面过于注重，久而久之，就容易出现生硬的舞蹈表现形式。而实际上，舞蹈要想更好地彰显出自身的价值，就应该有自己的思想。如果一场舞蹈表演中没有涉及任何的心理活动，那么这场舞蹈表演必定是失败的，没有心灵与心灵的碰撞是不会创作出优秀艺术作品的。舞蹈一定要有着自己的思想，这样才会令舞蹈变得活灵活现，而在现代化的艺术表演中，人们过于注重将情感融入舞蹈，所以也就会导致舞蹈出现了弊端。一个舞蹈演员必须掌握好的技巧，好的技巧主要就是让观众看到舞蹈表演的时候感觉更舒心，如果一整套舞蹈都是生硬的技巧，而没有融入表演者的情感，那么这样的舞蹈必将是死板的，强迫让观众看的舞蹈一定不会受人欢迎。所以在实际的创作中，要想让舞蹈技术能够达到顶峰，就应该让表演者将自己的内心活动和情绪融入到舞蹈之中，让舞蹈技术与舞蹈艺术完美的融入到一起，这样所创作出来的舞蹈艺术才会更加具有视觉性和情感性，也会更受观众的喜爱。通常情况下舞蹈中的人物和主题要紧紧相扣，只有能够打动人的艺术作品，才堪称好的艺术作品，而不仅仅是技术方面的高超。[2]无论是任何的舞蹈都应该有自己的思想，否则舞蹈必將会成为空谈，没有思想的舞蹈就犹如一些空壳，只有融入思想的舞蹈才会更好地彰显出其自身的艺术价值。很多时候一些舞蹈编导在实际的舞蹈编辑中，过于注重对舞蹈技术和舞蹈形态的表现，而忽视了舞蹈艺术的表演，久而久之，就会导致舞蹈表演变得非常枯燥。为了促使表演者能够更好地展现自身舞蹈艺术的多样性和丰富性，有关表演者可以将舞蹈技术科学合理地融入到实际的舞蹈创作中。
（二）避免因为“技术而技术”的舞蹈创作形式
如果因为“技术而技术”所衍生出的舞蹈，那么必将会成为死板的舞蹈。就是因为人们过于看重舞蹈技术技巧的独立价值，将技术技巧作为舞蹈表现的最终目的，然而这样最终只能够导致其走向灭亡。舞蹈是艺术的展现，更是情绪的表达。仅仅因为“技术而技术”的舞蹈创作形式必将导致舞蹈走向绝境。例如在古典芭蕾舞的发展史上，就曾经因为“技术而技术”导致舞蹈创作形式变得枯燥乏味。舞蹈形式之所以能够吸引人们的眼球，就是因为舞蹈具有自身的优美性，不仅能够让表演者与观众之间有着心灵的碰撞，还能够让表演者将舞蹈艺术展现得淋漓尽致。但是一定要注意舞蹈不能够一味地追求技术上的卓越，也应该追求艺术上的创新。早在18世纪的时候，巴洛克与其难兄难弟洛可可对芭蕾舞进行了“洗礼”，此后，芭蕾舞的舞姿变得更加拘谨，并且舞蹈的质量也有所下降。可见，对于任何一种舞蹈都不能够采取强加式的改革，一定要将表演者的情感与艺术完美的地融合到一起，只有这样所创作出的舞蹈艺术才会具有更好的观赏价值。[3]很多时候，一些舞蹈过于强调舞蹈技术，而忽视了舞蹈艺术，这样的舞蹈必将会令人感到空洞无味。有时候，舞蹈编导在设计舞蹈的时候，也会存在错误的思想，认为尽可能多地运用舞蹈技术会更好地凸显出舞蹈的难度，进而可以吸引观众的眼球，实际上这种想法是错误的。舞蹈的优美程度在于自身所蕴含的艺术价值，而不在于舞蹈技术运用的多少，如果表演者可以将自身的情感与舞蹈艺术紧密地融合在一起，那么这样所表现出的舞蹈必将会具有自身的艺术价值，也会更好地凸显出舞蹈的多样性和艺术性。
二、舞蹈技术动作的数量使用不能喧宾夺主
（一）避免出现繁多的舞蹈动作
有舞蹈表演者曾经一度认为，在舞蹈表演中，丰富多彩的动作可以更好地吸引观众的注意力，但是人们却忽略了其中一点，就是动作如果过多就会导致视觉上的冲突，让观众感受不到其中所要表达的重点内容。所以在实际的舞蹈表演中，表演者一定要避免出现繁多的舞蹈动作。不仅如此，如果舞蹈动作过于繁琐，就会令观众感觉是在欣赏舞蹈技术，而不是舞蹈艺术。这样的舞蹈语言就是人文内涵降低而沦为娱乐和杂耍的舞蹈。所以在与观众进行舞蹈交流的时候，一定要注重舞蹈艺术的表现形式和表演方法，不要过度地注重舞蹈技术，而忽视了舞蹈表演艺术。站在宏观的角度上来看，舞蹈表现艺术与舞蹈技术之间有着十分密切的关系，对于舞蹈表演者来说，舞蹈技术与舞蹈艺术是不能够单独存在的，两者之间相辅相成，互相之间有着一定的依托关系。舞蹈表演技术应该融入舞蹈艺术当中，要做到你中有我、我中有你的境界，否则即使再精彩的舞蹈技术也只是枯燥无味的表现形式，能够带给观众的也仅仅是视觉上的冲击，而不是心灵上的交织和碰撞。有些时候繁多的舞蹈动作会令观众眼花缭乱，失去了观赏的重点，所以在实际的舞蹈艺术表演中，表演者一定要对自身的艺术形式有着充分的了解和认识，只有不断的创造出新式的舞蹈表演形式，才会更好地与观众实现心灵上的沟通[4]。
（二）采用动静结合的舞蹈演绎技术
动静结合的舞蹈演绎技术将会给人们带来更多的视觉享受，不仅如此，在实际的舞蹈艺术发展中，舞蹈表演并不仅仅需要繁多的技术种类，更多的则是需要舞蹈艺术与舞蹈技术的相互融合。只有技术的舞蹈表现形式是枯燥的，并不会吸引观众的眼球，而如果能够将舞蹈表演中的表现手法和表现技艺完美地融合到一起，就会更好地凸显出舞蹈的自身价值和艺术的魅力。例如张继刚编导的巅峰之作《肩上芭蕾——东方天鹅》，该部作品不仅仅具有较高的艺术价值，还具有较高的情感表达性。现如今该部作品已经融入了杂技的行列。这部作品之所以能够成功，就是因为张继刚导演了解杂技与舞蹈的交叉点，并且将舞蹈艺术完美地融入实际的舞蹈表演当中，在带给观众视觉冲击的时候，也让观众的情绪随着舞蹈的表演而发生变化，这样的舞蹈艺术作品是成功的。因为在实际的舞蹈创作中，舞蹈表现形式不仅仅局限于舞蹈的动作的丰富性和多元化，这种舞蹈表现形式也跨越了专业限制，让舞蹈既有芭蕾舞的特点，也有杂技的惊险之处，并且随着舞蹈种类的变化也能够将演员的自身情绪融入到实际的表演中，这样的创作形式是前所未有的。可见《肩上芭蕾——东方天鹅》这部艺术作品所具有的独特艺术价值。[5]在实际的舞蹈创作中，学会运用动静结合的舞蹈演绎形式，将会更好地提升舞蹈的魅力和艺术价值，很多时候人们在创作舞蹈艺术的时候，忽视了其内在的艺术价值，过多地关注观众的情感和视觉享受，实际上这种想法是错误的，要想令舞蹈具有更高的艺术价值和艺术特性，就应该采用动静结合的舞蹈演绎形式，将动静结合的舞蹈表现形式充分融入到实际的舞蹈艺术当中，这样可以更好地凸显出舞蹈的多样性和艺术价值。由此可见，采用动静结合的舞蹈演绎技术是非常重要的。
三、舞蹈技术动作出现的时间要恰到好处
（一）将舞蹈技术运用到舞蹈的“高潮”阶段
将舞蹈技术运用于舞蹈的“高潮”阶段是非常重要的，舞蹈技术虽然具有较强的视觉冲击力，但是却不能够随意地乱用，否则将会导致观众的审美疲劳，也会导致舞蹈表演者的表演疲惫。所以，在实际的舞蹈技术表演中，有关表演者应该充分认识到舞蹈表演的重要性，不能够随意滥用舞蹈技术。由于技术性动作存在炫、奇、高难度的特点，所以往往会被舞蹈编导用于推动舞蹈高潮的特殊作用。当舞蹈的高潮快要来的时候，将舞蹈特殊技术融入到其中，必将会令观众感受视觉上有着较强的冲击力。可见舞蹈技术对于提升舞蹈艺术表现力具有十分重要的意义和价值。如果能够将舞蹈技术运用到舞蹈的“高潮”阶段，那么就会给观众带来一种特殊的视觉享受。例如在《天鹅湖》中黑天鹅奥吉利亚的32挥鞭转，只有放入第三幕的特定情节中，才能充分表现奥吉利亚情场获胜的得意心情，进而将整个舞蹈推向巅峰。将舞蹈技术运用到舞蹈的“高潮”阶段是舞蹈艺术表现的最根本特征，从目前的情况上来看，舞蹈技术的运用一定要融入一些情感和艺术表现力。否则所展现出来的舞蹈必将是枯燥、乏味的。将舞蹈技术运用到舞蹈的“高潮”阶段是一种创新式的使用形式，很多时候，人们在演绎舞蹈的时候，并没有注意到舞蹈高潮与舞蹈技术之间的关系，实际上两者之间有着十分密切的关系，要想使舞蹈技术能够更好地彰显出自身的艺术魅力和价值，就应该学会合理地编辑舞蹈，将舞蹈的高潮与舞蹈技术完美的融入到一起，为了实现舞蹈的创新式发展给予更有力的保障。[6]
（二）舞蹈创作中合理把握舞蹈技术的“度”
舞蹈创作中学会合理把握舞蹈技术的“度”是非常重要的，首先站在宏观的角度上来看，舞蹈表演者应该充分地认识到舞蹈表演与“度”之间的关系，学会充分的运用舞蹈技术，并且将舞蹈技术与舞蹈艺术完美结合到一起，这样才会更好地凸显出舞蹈艺术的最本质价值。在实际的舞蹈创作中，不要整个舞蹈都被舞蹈技术所覆盖，一定要学会灵活地运用舞蹈技术。只有学会灵活地运用舞蹈技术，熟练地掌握舞蹈艺术，才会更好地推动舞蹈行业的发展。[7]舞蹈创作中对于舞蹈技术“度”的把握是一门学问，尤其是技术性动作的把握、数量的把握和出现时间的把握。如果把繁复庞大的技术动作安排得恰到好处，才是能够彰显舞蹈特性的关键因素，无论是对于任何的舞蹈表演艺术者而言，舞蹈艺术的创作都具有较强的技术价值，只有人们充分地认识到舞蹈技术与舞蹈艺术之间的关系，并且学会良好地把握舞蹈技术“度”的运用，通过努力来提高自身的艺术修养，最终使得技术性动作能够达到艺术美的完美体现和创新发展。[8]科学合理地掌握舞蹈中“度”的运用是至关重要的，学会科学合理地掌握舞蹈技术的运用，将舞蹈技术与舞蹈艺术完美融合到一起，这样才会更好地彰显出舞蹈所具有的艺术价值和艺术魅力，进而为赢得观众的喜爱奠定坚实的基础。[9]学会适当地掌握舞蹈技术运用是推动舞蹈艺术发展的重要途径，也是提升舞蹈艺术快速发展的核心内容，对于我国现代化的社会发展而言，创新式的舞蹈表现形式必将会吸引更多观众的眼球，而如何掌握其中的“度”就是需要编导人员注意的内容。舞蹈技术与舞蹈艺术之间有着十分密切的联系，如何运用舞蹈技术中的“度”已经成为了一项标志性的内容，学会掌握舞蹈技术的“度”，将舞蹈技术更好地展现给观众。[10]
四、结语
综上所述，笔者简单地论述了如何在舞蹈创作中运用舞蹈技术提高舞蹈的艺术性等内容，通过分析可以发现，舞蹈创作在实际的舞蹈表演中占据非常重要的地位，但是舞蹈艺术与舞蹈技术之间也有着十分密切的关系，要想更好地推动舞蹈艺术的发展，就应该深刻地认识到舞蹈技术的创新式发展和舞蹈技术的合理化运用。[11]近些年我国舞蹈创作中较多地融入了繁多的舞蹈技术，久而久之，这种繁多的舞蹈技术反而会令舞蹈艺术显得枯燥乏味。要想创作出具有价值的舞蹈艺术作品，就应该深入地去了解舞蹈自身所具有的技术特点和艺术价值，并且学会科学合理地运用舞蹈技术，要适度运用。如果过多地使用舞蹈技术，也会使整个舞蹈缺乏核心内容，没有跌宕起伏的情节。所以在实际的舞蹈创作中，一定要学会融入适当的舞蹈技术，这样才会更好地凸显出舞蹈艺术的自身价值，在带给观众情感表现的同时，也会给予观众更多的视觉享受。
作者：芦狄
第2篇：舞蹈技巧训练在舞蹈学习及舞蹈教学中的作用
一、舞蹈技巧的发展历史以及相关应用
1990年Dunn第一次提出与舞蹈相关的科学概念。她将舞蹈看做一门运动科学与运动医学相结合的新型学科。与舞蹈有关的部分内容最初来自于营养学、运动学以及人体学。起初与舞蹈有关的研究主要体现在运动科学研究理论中，最近几年才将舞蹈研究进行单独报道。
因为舞蹈是一门涉及范围十分广泛的学科，其表现形式多种多样，所以舞蹈教学中一直存在许多争议，例如是否应当将舞蹈科学与舞蹈教学进行结合等。到目前为止舞蹈科学中存在许多舞蹈教学内容，已经不是当初那种单调乏味的形式[1]。笔者认为舞蹈学习是多方面的，要尽可能与不同运动形式相结合，这样做的最终目的不在于让舞者掌握十分复杂的舞蹈花样与运动动作，而是让舞者真正理解舞蹈的精髓与内涵，从而更好地展现自己优美的舞姿。
若是想将舞蹈科学中的身体技巧很好地运用到舞蹈教学中，那么必须掌握一定方法，不可盲目进行。首先要十分了解舞蹈这门学科，熟悉其中的主要内容，这样可以使舞者更好地了解与掌握力量和自身素质对身体机能的重要程度。不仅如此，还要在课堂上尽可能多地进行舞蹈展示，不要一味追求书面理论[2]。其次舞蹈始终是提高舞者艺术素质的重要课程，舞者练习舞蹈的主要目的是利用舞蹈这一特殊形式提高自身艺术表达能力。虽然舞者的动作连贯性与身体协调程度十分重要，但这不是舞蹈教学的最终目的。再次如果将技巧练习设在课堂中，那么在运动热身后就没有更多教学时间。虽然身体练习十分重要，但舞蹈与体操或者健美操项目有本质上的区别，因为舞蹈追求的是柔美，舞蹈的姿态、韵味与舞蹈中呈现的感觉才是舞蹈真正的表现形式[3]。只有将形体动作与运动气息进行有效结合，才能使形体与足部的运动保持一致，从而展示出最优美烦人舞蹈动作。优美的舞姿与音乐相结合才能体现舞蹈最合理的节奏感。
二、身体技巧训练与舞蹈技巧训练两者之间的主要关系
每个舞蹈演员最初都要接受舞蹈技巧课程的训练，因为舞蹈课程技巧在舞蹈教学中起到至关重要的作用。舞者在表演时需要借鉴一些特殊动作，例如单手支撑身体、背部旋转等，这些特殊动作的难度很高，但是它们可能在一定程度上提高舞者的舞蹈技能，丰富舞者的肢体语言，从而使舞者的表演充满吸引力。只有具备良好的身体素质与完整的技巧训练才能更好地展现出舞者的舞蹈水平。
现代舞蹈对舞者的要求较高，不仅要舞姿优美还要在技巧上进行创新与突破。普通艺术院校不是十分重视舞者身体素质方面的训练，转型训练内容相对匮乏。虽然学生经过一段时间的训练同样可以上台演出，而且在演出时可以利用舞蹈技巧弥补身体技巧，但是学习舞蹈的真正目的在于提高舞者的自身素质，从而达到提升艺术素质的目的[4]。所以舞者在进行专业训练的同时不能忘记自身素质的培养。
在进行身体技巧训练时，主要培养舞者的力量、弹跳能力、柔韧程度以及灵敏程度等，身体技巧是人体最主要的能力之一，同时也是最基本的能力。除此之外还有舞蹈素质的专项训练，其中主要训练方法是通过某些动作的练习提高身体技巧。例如身体拉伸，通过一定的拉伸方法将肌肉或韧带拉伸至产生酸胀感，停留一段时间后继续进行。
最近几年中国体育项目的发生十分迅速，在较短时间内已经在世界上名列前茅，这种成绩的出现主要在于国家对青少年体育运动员的培养，在运动员少年时期就着重培养他的身体素质，久而久之不管是身体素质还是技能技巧都能有很大突破[5]。体育和舞蹈都需要全身肌肉的配合，比如说舞蹈要展示出翻转、跳跃等动作，对肌肉群的练习自然不可忽视。但是舞蹈又具备一定特殊性，它是用动作打动人心，所以舞蹈动作与音乐的结合一定要在身体技巧训练之后，因为只有掌握一定程度的身体技巧才能将舞蹈动作的展现与音乐完美结合[6]。不管是素质训练还是技术训练，都需要舞者用心去感受去接受。动作能力的提高能在一定程度上提升舞者的素质，而专业训练则最终决定舞者的舞蹈成就。
三、结束语
良好的自身素质与完美的身体技巧是丰富舞蹈语言的关键，虽然素质训练是众多可以提升专业技术能力方式中的一种，但素质训练却是专业训练的基础内容，所以说要想提高舞者的专业水平，必须进行长时间身体技巧方面的练习，不管何时都不能“丢下”身体技巧的练习。舞蹈是优美的，是一种特殊的艺术形式，舞蹈能使舞者通过肢体语言展现自己的艺术魅力。
作者：秦嘉娟
第3篇：把流行舞蹈与艺术舞蹈相结合舞蹈教学探索
笔者由于较长时间从事舞蹈教学工作，对于流行舞蹈与艺术舞蹈的风格和韵律特点，以及反映现实生活的表现方式等有颇多感受。笔者曾结合自己的表演和教学实践对一些问题进行了思考和探索，本文仅就如何把流行舞蹈与艺术舞蹈相结合排练舞蹈教学剧目，怎样更有效地实施教学剧目在教学过程中的作用，谈一点粗浅的认识。
一、舞蹈教学必须与实践相结合
舞蹈是一门实践性很强的艺术。因此，在舞蹈教学中，教师一定要设法缩短排练室与舞台的距离，一定要在重视技巧训练的同时，重视学生对于舞蹈所表现内容的理解。从刚入学，学生上第一堂舞蹈课时就要培养他们热爱舞蹈的感情。在教学内容中，教师要运用某部分动作多编一些表演性组合，以提高学生的表现能力，为将来的舞台实践奠定基础。例如“揉背组合”，就是以赞颂草原、热爱家乡为主题思想内容的表演组合；“单项指与周身各部位混合训练”，就是表现在黑暗的压迫中挣扎，渴望着光明，祈祷幸福为主题思想内容的表现组合。还可以选用一些优秀舞蹈作品和某些作品的片段进行排练。这些舞蹈精品从训练意义上来讲价值很高，能够帮助学生更深刻地感受舞蹈艺术内在的心理和气质特点，提高学生对舞蹈艺术的全面理解和领悟。
流行舞蹈，是指表现方式相对自由、大众参与性较强、有较强的娱乐色彩、在较长时期广泛流行的舞蹈艺术形式，如现代舞、国标舞、街舞、拉丁舞、迪斯科、劲舞等都属于流行舞蹈的范畴。艺术舞蹈则是指由艺术家用舞蹈语言诠释艺术境界和人生哲理而创造出来的舞蹈，偏重于对舞蹈的艺术呈现，是一种相对正统、规范、高端的舞蹈艺术。
流行舞蹈是人民群众喜闻乐见的，艺术舞蹈普通大众则敬而远之，这是人们对舞蹈艺术的社会需求现状，也是当前流行舞蹈与艺术舞蹈发展不均衡的具体表现。随着社会经济的发展以及开放程度的提高，全球范围内的流行元素不断涌入中国，特别是中国的青少年一代，他们对流行舞蹈热烈追捧，对艺术舞蹈几乎不闻不问，流行舞蹈与艺术舞蹈发展的不均衡状况日益加剧，促进流行舞蹈与艺术舞蹈结合发展成为业界日益关注的课题，笔者就该课题提出一些建议。
（一）取长补短，融合创新，推动整个舞蹈艺术健康发展。
流行舞蹈的娱乐性、趣味性、运动性很强，节奏比较有动感，表演自由度高，大众参与度高，融合了更多时尚元素，可以在绚丽的舞台上表演，也可以关在房内自我欣赏，有助于人们缓解压力、释放心情、交流思想、抒发情感、消除隔阂、增进沟通。而艺术舞蹈，表演方式比较正统，动作要领更加规范，寓意表现比较含蓄，有助于人们陶冶艺术情操、提高艺术修养。
艺术舞蹈与流行舞蹈虽然差别较大，但互补性强。流行舞蹈在普通大众中拥有强大的影响力和号召力，艺术舞蹈则在舞蹈业界拥有核心地位，而且随着人们文化素质、生活质量、欣赏水平的提高，艺术舞蹈对普通大众的影响和渗透已经逐步扩大，这为流行舞蹈与艺术舞蹈结合发展提供了肥沃的土壤，稍加扶植和引导，就一定能形成这两个舞蹈艺术门类齐头并进、共同繁荣的良好局面。
流行舞蹈和艺术舞蹈虽然各具不同特征，但作为舞蹈艺术的两种类别，其本质上也有不少共通之处：第一，主要表现载体都是人体的动作；第二，都对身体的柔韧性和舞蹈的基本功有所要求；第三，都要将人体动作与音乐、诗歌、戏剧等辅助因素协调统一，和谐融合；第四，都能给人以美的享受；第五，进入现代后，两者融合出现在同一个舞蹈作品中的现象层出不穷，并得到了观众和专家的认可和肯定。例如我们把舞蹈比作汉语言，流行舞蹈类似于白话文，艺术舞蹈则类似于文言文，白话文通俗易懂，文言文内涵深刻，虽然文言文相对难懂难学，但在一些特定的场合还必须使用文言文才能达到更好的表达效果。只有了解流行舞蹈与艺术舞蹈的共通点，才能求同存异，优势互补，相互融通，才会推动整个舞蹈艺术健康发展。
（二）改革教材，推动流行舞蹈与艺术舞蹈的结合发展
面对流行舞蹈与艺术舞蹈发展不均衡的现状，大部分舞蹈艺术教育机构的舞蹈教学内容则与社会需求正好相反——艺术舞蹈教学课程铺天盖地，流行舞蹈教学内容寥寥无几，而舞蹈专业的毕业生就业的主流却是到那些与普通大众联系最紧密的就业领域中去，教育与就业完全脱节，这种舞蹈教学体系是不合理的。因此舞蹈教育应该给予流行舞蹈教育以更多的关注。
面对普通大众需要更多地关注艺术舞蹈的现状，我们呼吁舞蹈教育部门更多地关注流行舞蹈。在流行舞蹈与艺术舞蹈结合发展的问题上，应以“科学发展观”为指导，进行舞蹈教学内容的改革，打破“重艺术舞蹈教育，轻流行舞蹈教育”的传统舞蹈教育格局，在舞蹈教育界大力推广二者结合教育的新模式。
艺术舞蹈教学内容往往都是体现在一些优秀舞蹈剧目中，要让学生巩固所学知识，并加深理解强化，促进训练进程，从而提高综合、整体的艺术表现力。为了能更有效地实施教学剧目在教学过程中的作用，还必须了解它的一些特点。如果课堂教学是横线前进的话，那么剧目训练就是纵向深入。它可以就一动作或技巧对学生进行集中、深入的纵向分析；可以从剧目总体风格要求、人物形象的外在造型、内在性格、情感发展、特定服饰道具、舞台空间等许多方面向学生加以说明、分析，加深他们的理解；对剧目要求的特殊舞步、技巧进行专门的训练。这种多方面的、集中的训练只有在剧目排练中才能达到。
教学剧目之所以区别于其他课堂教学，就在于它是一个较完整的艺术作品。完成剧目表演，学生必须涉及诸多因素，一是表演技巧的专门训练；二要改变音乐只是训练伴奏的概念；三是通过各种剧目训练，了解和掌握不同地区、不同风格的舞蹈；四是在剧目的训练、演出过程中，对一个剧目从课堂编排到舞台演出的各种环节程序，以及对服装、道具、布景、化妆、舞台设施等都要有一个亲身经历实践的过程，使学生提前逐步地了解和掌握舞蹈表演艺术的特定性，增强编导、演员以及舞台工作人员的合作概念，为将来的舞台实践打好基础。
在一个班的众多学生中，单通过训练，老师很难全面地评价和发现其中较为优秀的学生。因此，剧目训练便是较全面的训练，具有全面的开发性。舞蹈界常说的：“某某就是靠某个剧目从而进步显着的。”其实，这正是被开发的结果。在教学中要努力培养学生的舞台感。要让学生明白，教师站立的一面就是观众，在训练中的一招一式、一起一伏、一反一正都是将自己最美的舞姿和造型选择最恰当的角度展示在观众面前，要注意自己的情绪与观众的呼应相一致。
在课堂上，笔者要求自己的示范动作要一丝不苟、严格准确、力求完美，唯有这样，才能激发学生钦佩、羡慕的心理，从而增强他们追求、模拟的欲望和对舞蹈艺术的兴趣与热爱。讲解动作的规格和要领也是不可少的，但最重要的是让学生超越动作的表层，通过动作的一招一式去体会蕴含在舞蹈之中的心理素质和民族精神，只有这样才能真正把握住舞蹈的精髓。
二、艺术舞蹈教学剧目中的动律训练
一个民族的舞蹈之所以能够独立存在，首先是以它的动律为基础的。动律是舞蹈风格的核心，动律是这个舞种和别个舞种的主要区别。这里仅以蒙古族舞蹈为例，来说明这个问题。蒙古族舞主要有六种动律，即：圆绕动律、扭揉动律、横摆扭动律、起伏动律、反射动律、点顿动律。如果学生能够较好地掌握了这些动律的特点，那么也就掌握了蒙古族舞的风格。
应该从理论上向学生讲清楚每种动律的来源，有助于学生的理解和掌握。比如绕圆动律，就可以从草原牧民的生产、生活、习俗中找到舞蹈中圆绕动律的例证。学生有了理性的认识，就可以更好地理解每种动作的特征。强调内外统一，防止单纯做动作，防止内心空白。在教授动作时，教师应积极启发学生，调动他们的内在感觉。例如，笔者排练蒙古族《顶碗舞》中，编导运用了横摆扭动律，它很好地体现了蒙古族悠扬、深情的性格特点。“横”是指动律方位，始终都在横线的左右方向上；“摆”是指双手在横线上左右、上下摆动；“扭”是指腰随双手的摆动而左右扭动。合起来就叫“横摆扭动律”。这一动作，稍会舞蹈的人谁都会做，但又不是谁都能做好。在教授这一动律时，要用语言去启发学生，让他们用动作和神情去体现蒙古民族所具有的那种含蓄、稳健、端庄的美。此时，你不是一个课堂上学舞蹈的学生，而是作为一个牧羊姑娘、挤奶姑娘，看到辽阔的草原，听到高亢的长调民歌，闻着青草的芳香，自豪感、自尊感、愉悦感从心底油然而生。只有这样，才能体会到横摆扭动律的深情内涵，也才能做好这一动作。动律训练同样要由简到繁，循序渐进，反复进行，要从单一动作开始直到各种组合动作，循循善诱，严格训练，达到动作准确规范、从容自如、潇洒优美，让内心的感觉传达到身体的。
培养高质量优秀的舞蹈人才需要全方位的磨合与训练，路是艰辛的。作为一名舞蹈教师，要不断地调整自己的思维方式，跟上时代的脉搏，提高艺术修养。同时，在每天的教学过程中，也要虚心地向学生学习一些可贵的东西，教学相长。这样，才能把学生培养成不仅具有高超的舞蹈技能、技巧，而且有高度的可塑性，能塑造各种艺术形象的舞蹈艺术家。
三、实现流行舞蹈与艺术舞蹈的结合发展
（一）嫁接流行元素，在舞蹈作品中实现流行舞蹈与艺术舞蹈的结合
将流行舞蹈的随意、夸张与艺术舞蹈的严谨、细腻结合起来，使其和谐共生于一个舞蹈作品之中，这样的舞蹈作品将有更大的吸引力和感染力。比如，在演绎传统的大鼓舞时将摇滚音乐融合进去，结果是这种冲击和感染力大大超过两个矛盾个体之和。所以，对特定的艺术舞蹈进行流行元素的改造，是大有空间和市场的。
（二）提升全民舞蹈艺术素养和欣赏水平
人们对艺术舞蹈的淡漠不完全是他们不喜欢艺术舞蹈，更多的是因为根本不懂得欣赏艺术舞蹈。那么加强舞蹈知识培训、提升舞蹈艺术欣赏水平对艺术舞蹈的推广和普及具有重大的现实意义。譬如，剧院可以多引进艺术舞蹈剧目以低廉的票价向大众开放；在中小学生的音乐课教材里添加更多有关舞蹈的知识，在条件允许的情况下增设舞蹈课程；在通俗舞蹈的培训机构中适当增加艺术舞蹈基础知识的培训，这些举措将有效地推动通俗舞蹈和艺术舞蹈的协调发展和共同繁荣。
通过以上分析和阐述，可以看出流行舞蹈和艺术舞蹈的结合发展是有基础的，也是可以实现的。笔者希望提出的一些方法和措施能引起业界的共鸣，营造更加良好的氛围和条件，共同见证流行舞蹈与艺术舞蹈结合发展的美好未来。
作者：李元珍
第4篇：舞蹈表演中舞蹈演员的形象塑造探析
引言
舞蹈是人类文明的最古老产物之一，也是十分重要的艺术形式，在原始的舞蹈中人们可以在舞蹈中表达自己的情绪，随着时代的发展与进步，在音乐以及灯光的配合下让舞蹈变得更加丰富多彩，无论舞蹈表演的形式如何发展，舞蹈自身的特点都不能被改变，因此舞蹈演员在舞蹈表演中是很重要的，从舞蹈自身来看是通过舞蹈演员的动作来表现作品的，在整个过程中舞蹈演员除了展示舞蹈技巧之外，还要注重塑造人物的精神面貌以及性格特征，让人物形象更加鲜明，能够栩栩如生地展现在观众的面前。在舞蹈表演中要多致力于舞蹈演员的角色中，才能更好地促进舞蹈表现力的提升，让舞蹈表演的内涵更加丰富，本文就对舞蹈表演中舞蹈演员的形象塑造进行具体的分析。
一、舞蹈表演的概述
随着我国舞蹈事业的不断发展，舞蹈作为一门独立的艺术已经深入到了其他的领域中，同时在不同的领域舞蹈表演都体现出相同的特點，所谓舞蹈表演主要包括以下几个方面的内容：①舞蹈表演是一门综合性比较强的艺术，它与其他艺术形式不同的是它有一定的联系，也有共同的规律，舞蹈表演将舞蹈动作作为最主要的艺术表现手段，能够创造出被人们所熟知的形象，这也是其他艺术手段很难体现的，同时舞蹈表演是舞蹈学科中的主要分支，在内容与形式上都是相同的，舞蹈表演应该作为一种能力去培养，并进一步提高，这是将理论与实践相结合的方式从而强调出舞蹈表演的重要性。②要对舞蹈表演进行一定的强化，这样才能更加体现出它的艺术感染力，对于舞蹈表演来说，最终的目标是对人类情感的表达方面，也就是将情感的极致作为铺垫舞蹈的魅力才能被呈现出来，这需要舞蹈演员在表演的过程中全身心地投入到其中，才能创造出更加生动而鲜明的艺术形象。
二、舞蹈演员在舞蹈表演中的重要性
舞蹈艺术表演主要是在于内在的本质，并将舞蹈演员的肢体动作深入到舞蹈中，它与其他的艺术不同，更应该将舞蹈与体操等区分开来，虽然都是以高超的体形技能来进行表演的方式，但是舞蹈更加强调的是形体艺术与情感，如果只是凭借自己的外形条件是不能充分展现人物内心活动的，当然也就不能产生震撼心灵的艺术效果，在表演意识中舞蹈演员要有一定的想象力，想象力是舞蹈艺术的源泉，只有产生一定的联想与想象才能创造出更好的节目，这对舞蹈演员的心理也有很高的要求，表演意识还要求演员能对情感进行准确的表达，通过情感对舞姿、动作等进行表演，不同的内心情感能够产生不同的神态效果，舞蹈是建立在情感基础之上的，如果离开了情感的支配那么即使舞蹈演员的技术再高，也不能成为真正的舞蹈艺术，在进行表演的过程中，演员对观众心理的把握也是十分重要的部分，一个好的艺术作品需要大家共同的努力，而演员也希望能够表演得更好让观众动情，这样才能获得更多的掌声与鲜花，只有观众满足了才是最终的目的。除此之外，作为舞蹈表演者还应该明确地认识到舞蹈演员在舞台表演中所需要的条件，真正做到促进舞蹈演员的表演技能，充分得到观众的认可，才能对舞蹈作品有更好的诠释，从而获得舞蹈演出的成功，因此，舞蹈演员在舞蹈表演中的作用是很大的，同时舞蹈表演的风格多变，更有利于情感的表达，舞蹈表演的成败主要体现在以下几个方面的内容：第一，舞蹈表演是一门艺术。作为舞蹈演员不仅要学会舞蹈，还应该充分表现出舞蹈的内在。第二，舞蹈表演要充分结合舞蹈技巧，做到舞姿到位，还要带着一定的情感去表演。第三，由于在整个的表演过程中都离不开舞蹈演员，因此舞蹈演员要将自己的内在与外在充分结合起来，从而表现出生动的、形象的艺术表现形式，将舞蹈的生命力充分展现出来。作为舞蹈演员在舞蹈表演中要具备一定的素质，首先，作为舞蹈演员要有很好的身体素质。充分借助自身的动作与表情来传达出故事的具体情节，而舞蹈演员身体也应该比较柔软与灵活，此外，舞蹈动作有着多样性的特点，因此在表演的过程中可以加入一些翻滚、跳跃等动作。其次，舞蹈演员需要有一定的艺术修养，作为一种以表演为主要形式的艺术，舞蹈表演包括有舞蹈、文学、音乐以及美术等多门艺术，它要求舞蹈演员有一定的基础能力，不断掌握各种理论知识才能体现舞蹈表演的真实感染力，也让舞蹈表演艺术发展得更快。最后，舞蹈演员要有一定的生活阅历。这样才能真正品味人生的滋味，让自己适应社会的能力更强，由于舞蹈表演的形式十分多样化，在表演中扮演的人物也各不相同，所以要增加人生阅历才能迅速地进入角色。
三、舞蹈表演中舞蹈演员的形象塑造探析
由于舞蹈演员自身的性格以及生活经历的不同，就使得他们对人物形象的展现能力也有所不同，舞蹈演员要想提高自己对人物的塑造能力，就需要不断提升自己，还需要对人物形象进行更加深入的探索与研究。作为舞蹈演员要多体验生活，通过对人物感情的考虑将舞蹈表演中的情节展现出来，这些都是来自于生活中的故事，将生活中的故事情节表现在艺术中能让观众产生共鸣，这就需要舞蹈演员仔细观察生活中的人们，在条件允许的情况下，去体验人物的具体生活。同时还需要舞蹈演员准确地掌握人物的具体性格特征，合格的舞蹈演员在塑造人物形象的时候要根据一个人的性格来找出影响这个人性格的因素，只有做到这样才能真正体现这个人的特点，也让这个人物更加鲜明、更加形象。除此之外，舞蹈演员还应该提升自己的文化修养，就像熟悉舞蹈表演的发展历程一样，在一定基础上再实现舞蹈表演的创新，因为舞蹈演员只有在拥有浓厚舞蹈基础的前提之下才能提出更加完善的建议，并对排练过程做出一定的修改，最终达到最有艺术感染力的表演状态。形象的塑造是十分重要的部分，在积累形象的过程中其实就是对形象创造的过程，为了充分保证演员的表演到位，就要将舞蹈形象进行情感化的处理，当设计好了物质形象之后就可以将生命很好地展现出来，同时要求演员有一定的表演基础，给人物形象的塑造提供相关的基础，在日常生活中也要多加练习不断提高自身的经验，例如对一些舞蹈动作在记忆的时候要掌握技巧，还要多注意节奏与情境的结合，这些都是在舞蹈形象塑造过程中需要注意的部分，对人物形象的塑造也是十分重要的，舞蹈演员要有很好的音乐分析能力，将舞蹈语言的内涵丰富起来，利用较强的鉴赏能力来进行舞蹈表演与创作，更重要的是舞蹈演员应该有一定的团队意识，在很多人一起表演节目的时候，有时是演员自己表演，有时候很多人一起表演，这需要大家齐心协力才能完成，打造出一种和谐统一的视觉效果，让观众看得更加有兴致，这就需要演员将自己融入到团队中，并合理地安排排练的具体动作与时间等。
四、结束语
综上所述，主要对舞蹈表演中舞蹈演员的形象塑造问题进行具体的分析，可以看出，对舞蹈演员形象的塑造是很重要的部分，这直接关系到舞蹈表演是否能够成功，因此舞蹈演员应该不断地提升自身的舞蹈素质，敢于创新与突破自我，多积累一些日常排练中的经验，才能真正体会出舞蹈作品的内涵，从而塑造出更加生动、富有感染力的舞蹈人物形象。在表演过程中舞蹈演员要多致力于人物形象的塑造，才能让舞蹈表演的魅力得到最大程度的展现，让每一位观众都能够满意，相信在众多专业人员的共同努力下，未来我国该方面会取得更大的发展与进步，迈上新的历史阶段。
作者：费东南
第5篇：舞蹈剧目赏析在舞蹈教育中的开展现状与对策
我国自上古时代就有舞蹈教育的记载，例如《史记五帝记》中已有记载。其次，在近代我国的舞蹈艺术也取得了诸多成就，例如梅南芳等一批优秀的表演者。再次，在我国的教育中从小学时代开始就学习舞蹈，他是我们童年时代的美好记忆，多数孩子也喜欢，这些舞蹈，随着学历的增加，学校也在不断的完善和改进关于舞蹈在实际教学中的运用，培养学生全面发展。例如芭蕾舞剧《天鹅湖》，19世纪末叶，柴科夫斯基的舞蹈剧《天鹅湖》，其作品内容将音乐和舞蹈密切的联系起来，达到了舞蹈剧音乐的表现能力，通过交响性深刻的刻画出人物的性格，加深了作品的戏剧性和丰富性，将忠贞不渝的爱情和高深的行为艺术展现给观众眼帘，达到了传神的效果。
一、当代舞蹈教育现状和发展趋势
就现代舞蹈状况而言，长期以来我国的舞蹈教育价值曾一度被人们低估。很多人认为，舞蹈能力的培养只是正对于将来从事舞蹈工作的人是必须的，对于多说学生而言只是点缀而已，中国的教育从小学至大学几乎没有哪所学校会把舞蹈列入必修课程，只是将文化课作为升学和考核的重点，由此以来多数学生缺乏舞蹈上面的专业知识。造成这一现象的主要原因是由于长期以来片面的追求升学率，舞蹈教育在整个国民教育体系中没有被重视，从而造成了这一现象。舞蹈教育也可以提高个人的技能，有关研究表明那些在学校里有着舞蹈特长的学生并非是些学习不好的学生，相反他们在一定程度上成绩还不错，理力比一般的学生强。同样舞蹈的学习也可以增加自学心，从而提高自身的影响力和表达能力。
进行舞蹈剧目的赏析让学生成为舞蹈专业人才，而是为了学些特定的技能。好些人认为舞蹈赏析就是看看影视、话剧、听听音乐什么的，其实不是那样的。从美的角度讲就有以下几点。例如：舞蹈剧目赏析可以培养学生积极的乐观向上的精神，有助于爱国主义精神的培养；也可培养学生的集体主义精神，加强纪律观念；也可以培养他们豪爽进取精神；陶冶情操，增强思辨能力等等，不同的舞蹈剧目赏析会给学生不同的能力的培养。
学习的结果不仅仅是因为教育，而是将学生引向金色的发现之路上去。将科学知识等等学科融入到美学中去，可以极大地提高教育质量，只有这样才可达到教育的真实效果。
二、舞蹈剧目的赏析在舞蹈教学中发展策略
基于上面分析到的舞蹈教育的现状，可以认识到在舞蹈教育中，“言传身教”是被多数教学者所采用，然而在信息化的今天这种传统的教学方式已不适应时代的发展，通过舞蹈剧目的赏析在舞蹈教育发展有以下几点优势：
（1）运用多媒体的教学手段是现代教育中尤为先进的教学方法，利用剧目赏析加之多媒体等先进的教学手段可以直观、形象的刺激学生的感官，让学生身临其境的感受到舞蹈的魅力，提高学生的艺术修养，从而让学生更加热爱舞蹈。
（2）通过舞蹈剧目赏析可以将那些枯燥的动作形象化，让学生在赏析剧目的时候又可以学习到一些舞蹈的动作，比起传统的舞蹈教学好很多，这样学生也好理解，更能达到舞蹈教育的目的，从而提高学生的综合素质，全面发展。
（3）随着各个学校的体制改革，校园文化建设也显得尤为重要，各学校不再像原先那样不重视校园文化建设，只追求理论的学习，而是开展丰富多样的校园文化建设，提高学生的文化素养，在这种大的环境下剧目赏析也就受到了多数学生的青睐，不论是古代的还是现当代的都受到大家的一致欢迎，这样就使得舞蹈教育顺利开展起来。
（4）教学体制改革的同时，考试这个人人关心的话题也在发生着变化，艺术考试也如雨后春笋蓬勃开展起来，好些喜欢艺术而文化课成绩较差的学生就获得了可以继续深造的机会，因此他们会更加的努力学习艺术，这也就为高等教育学校培養了优秀人才，在舞蹈教育上面也有了一批有良好基础的人才。
（5）学校里面人才众多，许多多才多艺的年轻人就在里面，外面的商家们为了刺激学校的消费，不停地推出各种名目繁多的演艺活动，不但刺激了学校的消费而且让更多的学生青睐于舞蹈表演，年轻人都有一颗展示自我的心，多才多艺的学生也受大家的欢迎，所以学校的舞蹈教育推进工作也减少了难度。从而使得舞蹈教育受到大家的欢迎。
对于目前舞蹈教育的情况，舞蹈剧目赏析不仅能提升学生对舞蹈的热爱，而且更能陶冶到学生的艺术情操，通过视觉的感官赏析上升到行为艺术的标准规范化，将艺术品位有了一个大大的提升，从而使学生在舞蹈实践表演中，更能发挥到舞蹈剧目当中的艺术情节，将舞蹈的艺术魅力升华起来，更能提高到舞蹈的教学质量，推动校园文化建设的作用，提高学生的整体文化素养。
作者：朱琼艳
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